Pasado y futuro de la música: Entrevista con Miguel Flores, pionero de la experimentación sonora en el Perú. Luis Alvarado

Entrevista tomada de Anjo Records gracias a la generosidad de Luis Alvarado buh recordsa quien le deseamos feliz cumplewata. Y un feliz concierto.

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Miguel Flores ha sido un visionario. Alguien que supo abrazar la libertad musical, encontrando puntos de contacto entre lo ancestral y lo vanguardista. Como baterista integró diversas bandas de rock en los 60s, hasta formar PAX en 1969, banda pionera del rock pesado. Un accidente lo hizo alejarse de los escenarios (y del rock) para luego volver con una nueva agrupación llamada Ave Acústica. Eran tiempos de nueva canción y folclore, y la banda se plegó al movimiento que empezaba a cobrar fuerza en Lima. Fue allí que empezaron sus experimentos musicales. Luego siguieron proyectos como Primitivo, La Orquesta Integral del Sol y Fragmentos de una soledad, donde su peculiar aproximación a lo popular y lo experimental consolidaron un lenguaje personal y ecléctico, un sonido inclasificable y radical. En febrero del 2015 apareció publicado el álbum “Primitivo”, a través de Buh Records, que rdio a conocer al gran público sus grabaciones de principios de los 80s. Las críticas fueron más que entusiastas en medios locales e internacionales. Un acabado impecable de un álbum que explora las posibilidades de los instrumentos, de las técnicas de grabación, y de la fusión: de lo folclórico al free jazz, de lo ritual a la psicodelia y al collage.

Con la humildad que lo caracteriza Miguel ha seguido tocando, formando parte del circuito de música experimental limeño. Este viernes 22 habrá una nueva oportunidad de verlo tocar, en un concierto muy especial, junto a Manongo Mujica, Alan Courtis (Argentina) y Teté Leguía. Todo esto como parte del Festival de Improvisación Libre De-Generado, que se realizará en El Dragón de Barranco, a las 8.30 pm.


La publicación de tu disco Primitivo ha generado un interés en muchos medios especializados internacionales, tanto por tu música como también por un periodo al que esta pertenece, y que no se encontraba suficientemente documentado. Me refiero aquel de fines de los 70s y principios de los 80s. ¿Qué crees tú que es lo que distingue a este periodo donde también surgieron artistas notables como Arturo Ruiz del Pozo, Luis David Aguilar, Manongo Mujica y Douglas Tarnawiecki?, ¿Sentías entonces que estaban haciendo un trabajo con una sensibilidad afín?

Creo que lo más importante y distintivo de ese período fue la sensación de extrema de libertad que sentíamos. No aceptábamos ningún tipo de parámetro, ni académico, ni social, ni económico; y aquello que pudiera haber sido conflictivo lo tomábamos con un ánimo tal que desarticulábamos la confrontación pues no éramos contestatarios sino que simplemente considerábamos que todo lo que nos dijeran era irrelevante, no importaba si la crítica o censura venía de las autoridades, de los medios, de nuestro entorno o de algún grupo de la sociedad. Lo más importante para nosotros era nuestro libre pensamiento, nuestra posibilidad de decidir y de hacer sin siquiera mirar las consecuencias económicas de nuestras decisiones.

Un gran maestro me dijo que lo que escuchó de mí no se podía hacer y yo sólo atiné a contestar que ya lo había hecho.

Visto desde otro ángulo, no podía ser de otra manera pues justamente la libertad se manifestaba desde el mismo hecho que nuestras composiciones cumplían primero con la elaboración de un lenguaje composicional y un discurso que eran totalmente personales e individualistas, pero, ¡gran sorpresa!… el hilo conductor y el elemento común eran el interés casi reverencial hacía nuestro pasado pre hispánico, el vínculo con la tierra, el ancestro mítico y la fascinación con el Ande que buscábamos plasmar en sonoridades, patrones rítmicos, armonías y criterios propios. Tal vez por provenir del momento en que la filosofía del rock era la que primaba lo que nos terminó distinguiendo es la combinación de colores y sonoridades con una paleta totalmente ecléctica que no tenía empacho alguno en cruzar sintetizadores con quenas, ruido con melodías convencionales, apertura armónica y progresiones evidentes. Refiriéndome solo a mí mismo, el humor y la disrupción total eran – y siguen siendo – parte imprescindible de mi propuesta. De ahí que, al no entender mis propuestas, a veces los mismos músicos concluían simplemente en que “ese es su sentir”… el mío.

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Últimamente has estado tocando en eventos de improvisación libre. La improvisación y la experimentación sonora ha estado presente siempre en tu trabajo. De tu experiencia al lado del grupo de rock pesado Pax a experiencias como Fragmentos de una soledad, hay una evolución considerable. Cuéntanos cómo fuiste descubriendo el lenguaje de la improvisación y el free jazz, ¿cómo te acercaste a él?, y ¿cómo sentías que se veían estos lenguajes en la época en que empezaste? ¿Localmente, cuánta información llegaba sobre el free jazz y músicas nuevas?

Creo que puedo detectar cuatro fuentes que permitieron que me acerque al jazz: las teorías que Richie Zellon traía de sus estudios en el extranjero (a veces dictaba clases para varios músicos amigos en mi casa), la colección de discos de Haruo Inamine, la biblioteca del ICPNA de Lima centro y ver a Elvin Jones en vivo. Basado en lo que tanto Richie como Haruo y esa biblioteca me dieron como información inicial, empecé a estructurar un discurso desde un punto de vista absolutamente teórico VISUAL. Yo veo la música más que escucharla. Es más, siento que mi discurso no es musical, la música es una herramienta para dar a conocer ese discurso que tiene mucho de intuitivo. Mi discurso meta musical también me llevó a hilar géneros desarraigándolos de sus orígenes y a presentar cosas cada vez más abstractas que se ajustaban a mi desazón con nuestra sociedad sin herir ni cuestionar a nadie. Mi propuesta era más psicologista por esencia y social por añadidura.

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Miguel Flores tocando en vivo como parte de la banda PAX

¿Has pensado en retomar otros instrumentos?, ¿la guitarra por ejemplo? Hay cosas increíbles que haces con guitarra en tu disco Primitivo, por ahora sólo te hemos conocido en vivo, en tu faceta como baterista.

Lo que ocurre es que al trabajar las pistas una tras otra en PRIMITIVO pude montar cosas que me tomarían mucho ensayo presentar en vivo. La facilidad actual es la de máquinas que permiten loopear en vivo, cosa que antes era impensable y así tal vez podría tocar guitarra en vivo, montando sonidos como si estuviera en una grabación. También hago cosas electrónicas, pero me frustra que la imaginación vuele más allá de lo que mi habilidad personal me permite en un caso y las facilidades técnicas en otro.


¿Cuanta más música por publicar tienes, han quedado muchas grabaciones tuyas afines a lo de Primitivo? Qué ha sido de los proyectos nuevos en los que has estado involucrado? por ejemplo, vi que vas a hacer pronto un concierto bajo el nombre de La Orquesta Integral del Sol, que fue uno de los ensambles que formaste en la época de Primitivo.

Por mi eclecticismo, por que trabajé mucho para teatro, danza, ballet y documentales debo decir que no existe una línea definida en mi música. Ojo que Primitivo fue un trabajo a pedido. Entonces, para que mis “clientes” no sintieran que les estaba dando lo mismo que a otros, mi deber era más bien diferenciar radicalmente el acabado de uno al de otro. Así, no tengo otros trabajos como Primitivo. Por ejemplo, Fragmentos de Una Soledad de 1980 corre más por la línea del free jazz pero por atrevimiento y no por un verdadero manejo de armonías – yo jugaba más con los títulos de las piezas: Valsecito de Dos Soles o Microbús Eléctrico por ejemplo. Ese recital fue excepcional. La gente hizo cola hasta la calle en la puerta del ICPNA del centro de Lima… para ver vanguardia… habían abuelitos sentados al costado de gente con las caras pintadas. Previamente, el trabajo con Ave Acústica en 1975 tiene ritmos tradicionales fusionados con ruido para hacer cosas como huayno blues cantando en quechua, con soporte visual. En 1976 hice la Opera del Méndigo, basada en la Beggar’s Opera de John Gay, que es la misma en la que se basó Bertold Brecht para hacer su Opera de Tres Centavos. Fueron 120 canciones clonando géneros populares de la época. El criterio fue imitar a una persona que escucha radio en Lima y pasa de un género a otro según cambia de estación. Y las tocábamos todas en vivo durante dos meses con toque de queda. Con Batán presentamos Moliendo Sonidos, a principios de los 90, jugando con la precariedad violenta del momento al punto que una vez se convirtió en elogio decirnos que éramos terroristas, simplemente porque actuábamos con pasamontañas e instrumentos musicales hechos con materiales reciclados.

La Orquesta Integral del Sol fue una propuesta de big band andina que hicimos con Richie Zellon en 1979. Duró una presentación. No podíamos manejar la producción. Y ahora he retomado el nombre porque me permite indicar que el precedente es de esa época, solo que ahora vamos a trabajar una nueva propuesta improvisatoria con un cierto margen de parámetros sobre los que estamos ensayando Eduardo Freire, que fue el bajista que escogí para viajar a Tokyo para hacer Ollantay justo después de disolver  la O.I.S. Ahora estará en el teclado Raffo Carlos, un tecladista joven que tiene formación académica y una actitud ecléctica que para mí es fundamental. Este trío será el eje sobre el que vamos a construir la orquesta nuevamente.

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Has estado tocando con mucha gente joven en los últimos años, ¿qué opinas de esta joven generación interesada en la música experimental y la improvisación, qué percibes de ellos, y cuánto compartes con ellos también, que además es gente que trabaja de manera autogestionada, que es algo que tú también has hecho mucho, de organizar tus propios conciertos. 

Siento que los músicos están recuperando su frescura y para mí eso es reflejo de una sociedad que se está recomponiendo. Hay de todo en cuanto a nivel académico, nivel como ejecutantes, dominio técnico y discurso; pero en conjunto hay una propuesta que se está robusteciendo de manera tal que me sirve de elixir de la juventud. He escuchado decir a músicos extranjeros que están sorprendidos por la riqueza de las propuestas subterráneas off off.

Siento que el aspecto comercial detrás de las propuestas no se maneja correctamente aun y eso es algo curioso por que corresponde a un corpus empresarial soft que posterga y posterga su relación con el mercado porque sigue operando basándose en parámetros académicos falsos que, además, son consecuencia de estudios tomados de otras realidades. Este divorcio creo que pronto va a carecer de importancia porque también están surgiendo docenas de negocios pequeños con muchísimo valor agregado y un diferencial que permitirá un acercamiento de intereses que harán que estas nuevas marcas busquen alianzas con los artistas nuevos para desarrollar imágenes “corporativas” atrevidas, con edge.


Por último que expectativas del concierto del viernes con Alan Courtis, se conocieron hace unos años y a él le ha dejado muy impresionado tu disco Primitivo. ¿Hay algún aspecto en especial que te llame la atención de su forma de tocar? Recuerdo que estabas muy emocionado esa vez que tocó junto con Manongo Mujica y Jorge Espinal. 

Alan Courtis es un caso, de esos que envidio sanamente por la continuidad de su trabajo y por su atrevimiento como línea de acción perpetua. Es un excelente músico que siempre tiene salidas inusuales y va a ser un honor de riesgo absoluto casi enfrentarlo en escena. He escuchado sus trabajos, tiene un juego entre el silencio y el sonido además de la capacidad de convertir cualquier espacio en el escenario adecuado para cada una de sus intervenciones que son ciertamente lúdicas partiendo del hecho de que muchos de sus “instrumentos” se asemejan a juguetes con los que cualquiera podría divertirse.

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Arte por Yerko Zlatar

El evento se realiza este viernes 22 de julio en El Dragón de Barranco, para más información aquí.

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